KLASİK MÜZİĞİN 4 DÖNEMİ : HIZLI REHBER

Yüzyıllar süren bir tarih söz konusu olduğunda, Batı klasik müziğinin çeşitli dönemleri hakkında biraz kafa karışıklığı yaşamak kolay olabilir. İşte müzik teorisinde genellikle öğrendiğimiz dört temel döneme ilişkin hızlı bir rehber: Barok, Klasik, Romantik, 20. Yüzyıl ve sonrası.

Barok dönem (1600-1750 civarı)

Barok dönem yaklaşık 1600 ila 1750 yılları arasını kapsar ve Bach, Vivaldi, Francesca Caccini, Handel ve Purcell gibi isimlerin müziklerini içerir.

Bu dönem müzikal gelişim için yoğun bir dönemdi. Besteciler ve müzisyenler yeni müzik stilleri ve müziklerini yazmanın farklı yollarını deniyorlardı. Ayrıca, birlikte çalmayı kolaylaştıran enstrümanların akort edilmesi için bir sistem üzerinde anlaşmaya başladılar.

Barok müziğin en belirleyici unsurlarından biri, kendine özgü sesini çıkarmak için telleri koparan erken bir klavyeli enstrüman olan klavsendir.

Barok dönem aynı zamanda konçerto, sonat ve opera gibi yeni müzik tarzlarının ortaya çıkmasını sağlamıştır. Dans için müzikten esinlenen ama aslında dinlemek için tasarlanmış dans süitleri revaçtaydı.

Barok müzikte doğaçlama yaygındır. Besteciler genellikle icra yönergelerini belirtmez, icracının kendi dinamiklerini, cümleciklerini ve süslemelerini yerinde tasarlamasına izin verirdi.

Bazı Barok müzikler, polifoni olarak da bilinen, aynı anda birden fazla melodinin çalınmasıyla oldukça karmaşık olabilir. Bu, zamanın klavye müziğinin çoğunda yaygındır ve Bach’ın en popüler eserlerinin çoğunda bulunur.

Barok döneminde enstrümanlar daha standart şekillerde bir araya getirilmeye başlanmış ve modern orkestranın ilk versiyonları ortaya çıkmıştır. Nefesli ve üflemeli çalgıların aralıkları sınırlıydı ve yalnızca belirli tuşlarda çalabiliyorlardı. Barok dönem aynı zamanda sackbut ve hurdy-gurdy gibi bazı harika isimli enstrümanlara da ev sahipliği yapmaktadır.

Klasik dönem (1750-1830)

Klasik müzik’i Batı tarzı enstrümantal, orkestra ve koro müziği için bir kapsayıcı terim olarak kullanıyoruz. Ancak Klasik dönem özellikle 1750 ile 1830 yılları arasında oluşan müziği ifade eder.

Klasik dönem müziği bazen ‘Viyana Klasisizmi’ olarak da adlandırılır. Şehir o dönemde Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven ve Schubert’e ev sahipliği yapan hareketli bir müzikal faaliyet merkeziydi.

Klasik dönemde müzik aletlerinin geliştirilmesinde büyük adımlar atılmıştır. Klavsen, en yaygın klavye enstrümanı olarak yerini piyanoya bırakmış ve artık orkestranın müzikal temeli olmaktan çıkmıştır. Bunun yerine, Klasik orkestralar bugün bildiğimiz ve sevdiğimiz orkestralara daha çok benziyordu; klarnetler, obualar, flütler, kornolar ve trompetler çok daha zengin bir ses yaratmak için yaylılara katılıyordu.

Daha gelişmiş enstrümanların daha iyi solo çizgileri üstlenebilmesiyle melodiye daha fazla vurgu yapıldı. Besteciler eserlerinin nasıl icra edileceği konusunda daha spesifik hale geldi, dinamikler ve süslemeler için talimatlar yazdı.

Sonat ve senfoni stilleri, yeni yaylı çalgılar dörtlüsü formuyla birlikte gelişti. Concerti grossi (birden fazla solist için konçertolar) daha az yaygın hale gelirken solo enstrümantal konçertoların popülaritesi arttı. Ancak sinfonia concertante formu popülerliğini korumuş, Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges ve Mozart tarafından da savunulmuştur.

Klasik dönemin sonlarına doğru, müzik tarzları değişmeye başladı. Beethoven, hocası Haydn tarafından aktarılan geleneklere meydan okuyarak ve daha hırslı ve yaratıcı hale gelerek yeni Romantizm çağını müjdeledi.

Romantik dönem (1830-1900 civarı)

Adına rağmen Romantik dönem romantizmiyle bilinmez. Bu dönemdeki besteciler doğadan, edebiyattan ve şiirden esinlenerek giderek daha duygusal ve yoğun müzikler yazdılar.

Beethoven’ın yanı sıra Brahms, Felix ve Fanny Mendelssohn, Carl Maria von Weber ve Robert ve Clara Schumann gibi birçok Alman besteci de bu türün ön saflarında yer almıştır.Tabii ki Chopin’i de atlamak olmaz.

Hâlâ tonaliteye sıkı sıkıya bağlı olmakla birlikte, besteciler daha ilginç ve maceracı armoniler yaratmak için diğer tuşlardan notalar ödünç alarak daha kromatik yazılar denemeye başladılar.

Enstrümanlardaki gelişmeler virtüözitenin artmasına ve daha uzun, daha karmaşık cümlelerin yazılmasına olanak sağladı ve besteciler senfonik şiirler, sözlü şarkılar, noktürnler ve arabeskler gibi daha yeni müzikal formlar yazmaya başladılar.

Orkestralar bu dönemde gelişti ve Wagner’in çağrısıyla 120’ye varan çalgıcı sayısıyla çarpıcı bir şekilde büyüdü. Senfoni orkestralarının ürettiği ses her zamankinden daha zengindi; üst perdede pikolo ve mi bemol klarnetlerin, alt perdede ise trombon ve tubalar gibi alçak üflemeli çalgıların eklenmesiyle skalanın her iki ucundaki enstrümanlar için virtüöz yazım ve genişletilmiş aralıklar söz konusuydu.

Romantik besteciler ilhamı bulabildikleri her yerden aldılar ve birçoğu ‘programatik müzik’ yazmaya başladı – Beethoven’ın kırsal sahneleri anlatan 6 numaralı ‘Pastoral’ Senfonisi gibi bir hikaye veya ortamın müzikal açıklamaları. Sibelius’un Finlandiyası ya da Smetana’nın ‘Vatanım’ anlamına gelen Má vlast adlı altı programatik senfonik şiirden oluşan seti gibi birçokları da anavatanları hakkında müzik yazmak için ilham aldı.

Dönemin sonuna doğru besteciler deneyler yapmaya ve sınırları zorlamaya devam etti. Müzikleri, klasik müziğin bugüne kadarki en büyük değişimlerinden birine hazırlandığı yüzyılın başlarına kadar giderek türlere meydan okur hale geldi.

20. Yüzyıl ve sonrası (1900’lerden itibaren)

Yüzyılın başlarında, ‘klasik’ çatısı altındaki müzik tarzları daha önce hiç olmadığı kadar çeşitlenmeye ve alt türlere ayrılmaya başladı. Dünya genelindeki bölücü siyasi iklim ve büyük teknolojik gelişmeler, bestecileri içinde bulundukları koşullara tepki olarak yeni müzik tarzları yaratmaya motive etti.

Klasik müziğin 20. Yüzyıl dönemi modernizm, empresyonizm, seriyalizm ve minimalizmin doğuşuna, caz gibi klasik olmayan tarzlardan daha fazla etkilenmeye ve hatta kaydedilmiş ses ile yapılan deneylere tanıklık etmiştir.

Başta Avrupa’dakiler olmak üzere 20. yüzyılın küresel politikaları, Batılı klasik müzik bestecilerinin müzikal üretimleri üzerinde büyük bir etki yaratmıştır. Sovyet ve Nazi rejimleri kendi ülkelerinin bestecilerinden katı beklentiler içine girmiş, buna uymayanları kara listeye almıştır. Hindemith ve Shostakovich gibi besteciler, zulümden kaçınmak için hükümetleri tarafından ‘kabul edilebilir’ olarak görülen tarzlarda yazmaya zorlandıklarından, siyasi alt metinlerle dolu müzikler yazdılar.

20. yüzyılda bazı bestecilerin eserlerinde tonaliteden tamamen uzaklaşılmış, Schoenberg geleneksel anahtarlara bağlı kalmak yerine beste için 12 ton sistemini geliştirmiştir. Bu sistem iki öğrencisi Berg ve Webern tarafından devam ettirildi.

Notalara ve ritimlere karar vermek için matematiksel şans unsurlarını devreye sokarak bestelenen ve ‘süreç müziği’ olarak da bilinen müzik John Cage, Karlheinz Stockhausen, Philip Glass ve Steve Reich ile popüler hale geldi.

Mahler, Strauss ve Sibelius gibi besteciler, popüler senfonik formları deneyerek ve sınırları zorlayarak Romantik dönemden 20. Yüzyıla geçişin sinyallerini verdiler. Bu arada Debussy Fransa’da, her ne kadar bu terimi reddetse de, Empresyonist akımın başlangıcını geliştiriyordu.

Yüzyılın sonuna doğru ve 21. yüzyılda, John Williams, Hans Zimmer , Joe Hisaishi ,Ludovico Einaudi  ve Nobuo Uematsu gibi bestecilerin orkestra ve koro müziği için yeni bir dönemi müjdelemesiyle film ve video oyunu müzikleri popülerlik kazanmıştır.